Трактат о развитии популярной музыки
Уварова Екатерина Игоревна,
педагог дополнительного образования,
магистр хореографических искусств
Популярная музыка – что это за явление XX века, сумевшее, по мнению одних, - разрушить музыку как таковую, упрощая и делая более доступной и понятной, в том числе и за счёт «облегчённого» содержания или подачи, по мнению других, - расширить границы, давая возможность истинным музыкантам реализовать себя в тех стиле, манере и направлении, которые чувствует их нутро, и даже давая создать своё направление. К тому же, развитие популярной музыки необыкновенно разнообразило – от звучания до стилистических различий; мир популярной музыки обогащался и реформировался, быстрее и с радостью, впитывая в себя новые особенности стилей и звучаний, намного демократичнее и подвижнее, нежели классические фундаментальные формы.
Для начала, разберёмся, что же такое, что означает и характеризует понятие «популярная музыка»: слово «популярный», о чём никто не задумывается, происходит от лат. populus – народ, люди и populares – демократы; а, значит, прямое значение «музыка, которую принимает и воспринимает народ». То есть, появляется новое произведение, приносит новое звучание или стилистику (любое новшество – сбитый ритм с необычным звучанием в дуэте двух, казалось, несовместимых инструментов, например, и т. д.), и если люди не напевают его, несмотря на постоянное звучание в эфире, то популярной – она не называется. Кроме того, дополнение – в основном, «популярной музыкой» имеются ввиду песни, и исполнители именно песенные, и за редким исключением – инструментальные (в двух моментах развития музыки остались инструментальные поп-исполнители, а именно – эпоха биг-бэндов, например орк. Гленна Миллера, и чуть позже эпоха эстрадных оркестров, например, Поль Мориа или Раймонд Лефевр; ещё можно называть исполнителями поп-музыки сольных инструменталистов, чаще всего – саксофонисты, пианисты и гитаристы)…
Разнообразие жанров и свобода воплощения идей, даёт возможность слушателю широкого выбора своей музыки, с годами и десятилетиями становится этот выбор всё более обширным, ибо поп-музыка не останавливается, впитывая новое и всегда с готовностью менять и развиваться ещё. Это задача поп-музыки, давать выбор? И что есть поп-музыка в нашей действительности? Почему нам трудно жить в тишине: поп-музыка – что она значит для нас?
Чтобы найти ответ на этот очень широкий и многосложный вопрос, вероятно, надо мысленно, очень подробно пройти весь путь – рождения, развития поп-музыки, объективно оценивая на каждом этапе… Подобно эволюционному процессу, который привёл за многомиллиардную историю жизни на планете простейших организмов к высшим животным и человеку, музыка тоже претерпела процесс изменения и метаморфоз, развития и генерации новых форм и стилей, деления на жанры и даже (по мнению некоторых) аномальные течения.
Согласитесь, слушая, российскую в первую очередь, - современную «попсу»,- трудно не подумать, хотя бы где-то глубоко или лишь лёгким импульсом: «как же напрасно дали петь что хочешь…» Услышав очередной текст очередной песни нынешнего времени радийного «формата» (текст, который я не решаюсь повторять), невольно вспоминаю высказывания Иосифа Кобзона и Льва Лещенко о пользе (мистически пугающих современных и зрителей, и исполнителей) художественных советов (подчеркну: не цензуры), благодаря которым не появлялось и не могло бы где-либо прозвучать песенные слова, к примеру: «не спеша ты с кавалером, быстро встала и ушла…» И это одна из самых безобидных цитат. Не хотелось бы погружаться в сравнения времён и режимов, защищать советское время (не самое светлое и прогрессивное для развития популярной музыки), но худ. совет во времена СССР никогда бы не пропустил песни со словами (нарочно не говорю «стихами»): «твои зелёные лосины во мне самом родят лося» или «появилось две палочки, эх, любовь как скакалочка, прыгала и допрыгалась – резиночка порвалась…» Худ. совет никогда бы не прошла «Зайка моя» (хотя бы за то, что «зайка» не может быть женского рода, не говоря про набор остального смыслового отсутствия и рифм как «баньки-тазики» с «рыбками-глазиками»); поразительные по тематической бедности и примитивности средств донесения произведения нового времени, например, «танцуй Россия, плач Европа – у меня самая лучшая в мире попа…», - само существование таковых, заставляет не верить в то, что когда-то много порицаний за глупость худ. совета вызывала строчка «эти глаза напротив – калейдоскоп огней…» Наверно, лучшим ответом худ. совету можно ли выпускать столь бессмысленную песню как «Эти глаза напротив» будет хлёсткая цитата из современного произведения: «У неё какой-то стресс, ну что случилось? – ПМС!»
И после этого, есть ли смысл повторять простые истины, что в песне музыка – музыкой, но огромную роль играют стихи. Недаром, стихи к советским песням писались поэтами! Наверно, хуже любого ругательства в адрес Рождественского, Вознесенского, Евтушенко, Добронравова, Дементьева и других авторов стихов к советским песням из колонок радиоприёмников звучит: «муси-пуси, джага-джага…» Конечно, можно приводить контр-примеры зарубежной поп-музыки как смыслового примитивизма, например, песен Ирвинга Берлина, не отличающихся глубиной текстов, или как яркий и хорошо знакомый для слушателей хит «дядюшки» Джо Кокера «You Can Leave Your Hat On», в котором смысл заключается в желании обнажения объекте желания и дальнейшего соития: «раздевайся, но шляпу можешь не снимать, ибо она не помешает нам заниматься любовью»; лично я слышал примеры «тупости их попсы». Надо понимать, что такая позиция и приведение таких примеров открывает в человеке, при знании английского языка, абсолютную «совковость» мышления и категорическое непонимание популярной песни западного образца. Слова складываются от музыки в данных произведениях, это совершенно противоположный подход к созданию песни (не хуже, не лучше – иной!) И прежде, чем орать «у них тоже чушь в тексте!» - напишите такую музыку, сделайте такую аранжировку, создайте такое сочетание инструментального исполнения биг-бэнда или мини-бэнда и исполните так, как песни Берлина исполняли Френк Синатра, Элла Фитцжеральд, Нэт «Кинг» Коул, Тони Беннетт или хит про «обнажение в шляпе» исполнили Джо Кокер или Том Джонс! По всем пунктам проигрывающие «Джаги-джаги» отвечают кричащим лучше всего, унижая их лучше громких ответов.
Наверно, адекватный выбор всё же падает в сторону консервативной классики. Но мы должны разобраться и понимать: Что? Откуда? Зачем? Как?
Итак, к началу XVII века публике стала надоедать фундаментальная классическая опера, тогдашним молодым поколениям всё больше хотелось развлекаться (как, собственно, до сих пор), «конфликт отцов и детей» во взгляде на развлечение и искусство всегда разнится и шествие непоколебимой классики совершенно не устраивало молодые экспрессивные души, да и походы на премьеру в оперный дом совсем не было развлечением и для более старших поколений, а скорее оставалось традицией подобно воскресным походам послушать проповедь. Альтернативой опере и балету можно было считать лишь музыку бродячих нищих музыкантов, народные напевы (мотивы, до сих пор носящие определение «традиционные», соответствующие обычаям той или иной страны) и, конечно, народные танцы. Сомнительные развлечения! Душа же народа всегда стремилась к радости, пытаясь развлекать себя. Душа аристократии тоже стремилась в сторону развлечения, только лучше маскируя своё стремление высоконравственной серьёзностью и размеренно-важным спокойствием. На самом деле музыка нужна была всем тем, кому хотелось развлекаться, а развлекаться так или иначе хотелось почти всем! «Народ требует зрелищ», как и до сих пор, доносилось тогда! Бродячие труппы старались удивлять зрителей остротой сюжета, рассмешить жёсткой сатирой и юмором, взволновать любовными более, чем трюковыми сценами… Приходило время и музыке делать решительные шаги вперёд, от академичности и состояния копролита. На балет или оперу из светской принадлежности, правилом хорошего тона было посмотреть новую постановку, которую хвалили критики, зачастую писавшие по заказу хозяев оперного дома или менеджера той или иной примы. Но несмотря на великолепную оркестровую музыку, голоса (о которых мы можем судить сейчас лишь по редким свидетельствам современников) и дорогие убранство сцены и костюмы,- посещение оперы уже не было чем-то удивительным! От оперы уже нечего было ожидать нового. Сейчас у нас есть т. н. «классические хиты» - известные мелодии из опер, балетов, фрагменты симфоний, музыка танцев – от вальсов и мазурок до чардашей и тарантелл, и мы довольны такому минимальному прикосновению к классической музыке; тогда же «хитом» (конечно, в те времени этого слова ни в одном языке не было) была опера целиком, либо композитор, либо солист или прима, ангажированные на ту или иную постановку. Это было в порядке вещей и, наверно, стараясь попасть на нашумевшую постановку или именитую приму,- люди перестали интересоваться сюжетом; их можно понять: образованный человек знал либретто знаменитых и не очень опер и балетов, постановки не отличались особой оригинальностью (ныне та одинаковость приобрела статус «классическая постановка»), вокалисты работали одинаково профессионально (о какой подзвучке могла идти речь, кроме правильно построенного зала театра с точки зрения акустики и умение управлять звуком голоса). Сейчас никому не пришло в голову удивиться, что у Николая Баскова, приглашённого однажды на разовый спектакль «Риголетто» в Михайловский театр, из-за уха торчал проводок микрофона-гарнитуры, хотя в мире классической оперы до сих пор нонсенс петь в микрофон (например, если эстрадный певец выпендривается, напевая оперную арию в микрофон на своём концерте, у любого случайно или специально оказавшегося среди зрителей классического певца невольно родиться: «а теперь то же самое, но без микрофона!»). Но тогда, в целом, ничего неожиданного и удивительного не ждали, но традиции ради соблюдали правило «выходить в свет». Но развлечений в плане культурно-зрелищных мероприятий, как бы назвали их в начале XX века в Советской России, не было.
И вот в середине XVII века появляются первые пульсации возникновения оперетты, хотя до её рождения было ещё два столетия: французский композитор Жан-Батист Люлли создаёт свои оперы, которые носили общее название «трагедии, переложенные на музыку»… Казалось бы, причём трагедия и лёгкий жанр оперетты? Поясню: в этих операх Люлли драматическая составляющая было отведена хору, в исполнении солистов важной стала мелодекламация, музыке стало отдаваться больше времени (как зачатие трёх составляющих поп-музыкального представления: аранжировка, бэк-вокал и соло) и, кроме того, был занят балет. В то же самое время драматург и режиссёр Жан-Батист Мольер вводит в свои комедии первые подобия музыкальных номеров, и они игрались бродячей труппой великого Мольера, создавая новое наследие будущим поколениям – фарс. Кроме того, благодаря успеху введения в оперы интермеццо – на неё стали ходить, чтобы увидеть эти «вставки». Само по себе «интермеццо» - это отдельная опера, заполняющая паузы для сложного смена декораций или разделяющие две различные части одного сюжета, но порой зритель приходил ради них (должно быть, это всё равно, что прийти в кино не ради фильма, а чтоб посмотреть трейлеры перед ним). Интермеццо вводили в оперы передовые композиторы - Пьетро Масканьи, Руджеро Леонкавалло, Джакомо Пуччини, Джузеппе Верди, Жорж Бизе и даже Рихард Вагнер! Произведения для «развлечения публики в антракте» становились самостоятельными произведениями, начинали расширяться и появился под-жанр оперы – «комическая опера», нашедший быстрый отклик у зрителей. Артисты тоже развивались в сторону облегчения, правда, по началу тяжело неуклюже. Но тем не менее, осознание того, что не стоит «мягкую» и не серьёзную (по крайней мере, по сюжету) музыку петь широким голосом, приходило. Мэтры «драматического исполнения» начинали понимать, что смех зрителей во время исполнения ими комической оперы – нормален, перекрикивать его не надо, а ненормальны серьёзные лица в зале и тишина с виноватыми покашливаниями. И вот приходит опыт Мольера с его музыкальными номерами. Скрепя зубами, разрешили, наконец, дать комической опере балет. Музыке, похоже, развитие очень нравилось, - она принимала с готовностью новые идеи. Либретто стало недостаточно, и вот над произведением стали трудиться трое авторов – композитор, либреттист (который в будущем станет поэтом-песенником) и драматург.
Нечто новое, появившееся на классических сценах и на уличных площадках в первой половине XVIII века, стало последним шагом к оперетте – водевиль! Теперь основу составляла пьеса с лёгким сюжетом, драматург брал на себя зачастую обязанности либреттиста, музыка была лишь сопровождением действия (как называется сейчас - саундтреком) в виде ритмических куплетов, в которых главенствующую роль опять же играл текст, а не мелодия или сопровождение, и обрамляли действо танцевальные номера. На сценах театров сюжеты носили более сдержанный и лирический характер, уличные же представления не были замысловаты, зачастую очень вульгарны, но они намного сильнее впечатляли зрителя (который стоять на площади и высматривать из-за голов, плеч и париков впереди стоящих, глядеть на самодельную сцену предпочитал уютному мягкому креслу в ложе театра)
Последняя ступень была пройдена, и всё-таки победило не уличное кривлянье, а искусство. Произошло это в Париже (где же ещё!), 5 июля 1855 года. Эта дата стала официальным днём рождения оперетты! Композитор Жак Оффенбах не только писал музыкальные произведения в новом стиле и на новом уровне, одинаково отвечая запросам как зрителя с претензией на вкус (всё ещё приверженца оперы в её монументальности и трагизме), так и желающего просто весело провести время; Оффенбах создал новый жанр, собравший вокруг себя самую обширную публику и открыл в этот самый день театр, специально предназначенный для демонстрации оперетт («маленьких опер») – «Буфф Паризьен»1. Оперетта, имея все признаки классической оперы, но под совершенно иным взглядом и с иными нормами допустимости. Вместо куплетов вновь появились арии (только веселее и короче), балет исполнял музыкальные номера (один из которых стал символом оперетта, затем превратившись в яркий символ кабаре – танец, изначально запрещённый, «кан-кан»), вернулись сюжетные диалоги между героями (почти в тишине, т. е. без музыкального сопровождения), от «воплей» на площади артисты возвратились к более правильному звукоизвлечению, но жанр комедии был жанром лёгким, и он заставил артистов соответствовать своей лёгкости, не забывая о
вокале. Итак, жанр занял своё прочное место (с успехом сохраняя свой статус состоятельности до сих пор!) в мире музыки, оперетта распространилась по миру, создав, вслед за Оффенбахом, ряд звёздных композиторов, ставших впоследствии классиками жанра – Иоганн Штраусс и Имре Кальман, пожалуй, самые громкие и яркие из них.
С эмиграцией в Америку многих композиторов с начала XX века оперетте предстояли ещё две глобальные метаморфозы, а именно – мюзикл и «лихорадка» 70-х годов – рок-опера. В Америке уже складывалась своя музыкальная культура, которая очень подошла построению оперетты (джазовые мотивы, соул, аранжировки известных биг-бэндов, свинг…) Популярная музыка уже не шла, она бежала в развитии! Появился новый музыкальный жанр – мюзикл, и вместе с ним композиторы, создавшие «Великий американский песенник», хотя это были просто отрывки и песни из мюзиклов, впоследствии ставшие отдельными хитами и т. н. «джазовыми стандартами», написанные американскими классиками популярной музыки – Джеромом Керном, Джорджем Гершвином, Коулом Портером, Ричардом Роджерсом.
После Второй Мировой войны были созданы вершины жанра мюзикла и принесли новые лидирующие имена композиторов – «Вестсайдская история» (Лайонел Барт), «Моя прекрасная леди» (Леонард Бернстайн), «Привет, Долли!» (Джерри Херрман) и многие другие! Настало торжество интерпретаций известных и не очень классических сюжетов, романов и пьес.
В 70-е сердцами и душами зрителей завладел новый музыкально-театральный жанр – рок-опера. По характеру музыки, надо отметить, рок-опера была и есть ближе к классической оперетте, нежели к мюзиклу, но в ней не стало диалогов, как в двух предыдущих жанрах. Как и многие мюзиклы, рок-оперы перешли на киноэкран, что увеличило их зрительскую аудиторию и популярность, кроме того увековечило в первозданном виде. «Иисус Христос - суперзвезда» (Эндрю Ллойд Уэббер), «Томми» (группа «The Who»), «Волосы» (Голт МакДермот) – вот отцы-основатели и, пожалуй, последние великие реформы и реформаторы популярной музыки.
Вот путь, пройденный музыкой от оперы до популярной песни. Хотя, это просто хронология шагов, с небольшим увлечением, хотя каждый шаг на пути музыки, каждый миг заслуживает детального рассмотрения, каждое имя – будь то композитор, певец, аранжировщик, - внесло свой вклад в развитие этой прекрасной, разно-жанровой, бесподобной популярной музыки.
На вопрос же, ставший причиной этого «туристического путешествия» в эволюцию популярной музыки, - ответьте сами, я предоставил вам все факты для этого! Прошу только помнить: каждый имеет право на своё мнение и слушать, любить ту музыку, которая ему ближе!
